История мировой культуры - Капица Федор Сергеевич - Страница 49
- Предыдущая
- 49/147
- Следующая
Оформлением театральных спектаклей и в первую очередь опер и балетов занимались В. Д. Поленов, И. И. Левитан, В. М. Васнецов, К. А. Коровин, В. А. Серов. В декорациях и костюмах они передавали образы русской истории, отечественной природы, стихию русской сказки и эпоса.
Особенно активно русские художники работали в этой области в первые три десятилетия XX века. Это прежде всего художники «Мира искусства» – А. Н. Бенуа, Л. С. Бакст, И. Я. Билибин, Н. К. Рерих, М. В. Добужинский. Отличительные особенности «Мира искусства» – стремление к художественному синтезу, увлеченность древними культурами – Грецией, Востоком, а также и французской культурой. Сцены частных театров предоставляли художникам широчайшие возможности для творческих поисков. Поэтому их творчество ознаменовало этап в развитии не только русского, но и западноевропейского театрального искусства. Ведущая роль в этом процессе принадлежит антрепризе С. П. Дягилева и проведенным им в Париже «русским сезонам».
Эта традиция развивалась и в советском искусстве 20–30-х годов. Они внесли в оформление спектаклей элементы арлекинады, трагедии, пантомимы, цирка, средневековой мистерии. Постановки В. Э. Мейерхольда, А. Я. Таирова, Е. Б. Вахтангова оформляли такие мастера, как И. Нивинский, В. и Г. Стенберги, В. Татлин, А. Родченко, А. Степанова. Затем на долгое время эта традиция была прервана, и только начиная с 50-х годов началось ее возобновление. Это работы В. Ходасевич, П. Вильямса, С. Вирсаладзе, В. Левенталя. Традиции русского искусства органически сочетаются в них с опытом современной сценографии.
ИСКУССТВО ТОТАЛИТАРНОЕ
Этим названием обозначают направление, господствовавшее в искусстве ряда европейских стран середины 30-х – начала 80-х годов XX века. Его классическими образцами считаются социалистический реализм в период между 1934 и 1956 годами, искусство Германии, Италии 1933–1944 гг., а также послевоенное искусство ГДР, Болгарии, Польши, Венгрии, Румынии, Китая.
По распространенности это был второй (после модернизма) интернациональный стиль современной культуры, который заслуживает не только особого наименования, но и пристального изучения.
Понятно, что данное направление не могло возникнуть из пустоты. Ему предшествовал длительный период поисков авангардистов 20-х годов. Лишь тогда, когда искусство становится орудием одной идеологии, оно становится тоталитарным.
Важнейшей его особенностью является неприятие любых стилей и тенденций, отличных от официальной линии, обслуживающей данную идеологическую систему. Художественная культура в этих условиях неизбежно порождает сходные образы и мифы. Лучше всего о ней написал английский исследователь Льюис Мамфорд: «Это невидимая структура, скомпонованная из живых, но жестких человеческих частей, каждой из которых отводится определенное место, роль и задание, что дает возможность построения своеобразного дизайна коллективных отношений».
Эта догматика получила яркое воплощение в монументальном искусстве. Например, берлинский мемориал, созданный скульптором Вучетичем и архитектором Белопольским. Он открывался традиционной триумфальной аркой, за которой прямолинейные горизонтали мраморных склоненных знамен подводили к вертикали памятника советскому воину-освободителю.
Естественно, что со временем этот монолитный стиль неизбежно начал разрушаться. И первые признаки этого процесса появились в конце 70-х годов. На выставках «Париж – Москва» (1979) и советского искусства в Дюссельдорфе (1984) раздел тридцатых годов был представлен полотнами Сарьяна, Тышлера, Фалька, Машкова, Кончаловского, т. е. тех художников, которые еще недавно клеймились официальной критикой.
ИСКУССТВО ЮВЕЛИРНОЕ – изготовление различных изделий (предметов быта, украшений, вооружения, культовой утвари, посуды) из драгоценных металлов в сочетании с драгоценными и полудрагоценными камнями, эмалью, костью, жемчугом, стеклом. Оно является древнейшим и наиболее широко распространенным видом прикладного искусства.
Предметы ювелирного искусства всегда тесно связаны с конкретными историческими и бытовыми условиями. Изучение его истории дает возможность проследить, как менялось представление о красоте от глубочайшей древности до наших дней.
Первоначально ювелирные изделия выполняли функцию знака, обозначающего социальное положение их владельца, или имели четко выраженный магический смысл. Лишь с течением времени они стали выполнять, кроме защитной, и декоративную функцию.
В древности (в Египте, Греции, Риме, на Востоке) основными материалами, с которыми работали мастера-ювелиры, были драгоценные материалы, в основном золото и серебро. Отделка предмета играла подчиненную роль. Совершенствование техники обработки твердых драгоценных камней привело к их широкому использованию для изготовления ювелирных изделий. На смену природным (неограненным камням) пришли многогранные кабошоны, придавшие камню самостоятельное художественное значение.
Любопытно, что в позднем средневековье наступает период, когда использование драгоценных металлов для изготовления ювелирных изделий значительно сокращается. Вместо них мастера обращаются к ценным породам дерева, сплавам на основе меди. На первое место выступают тщательность отделки и высокий уровень обработки металла. Только в эпоху Возрождения драгоценные металлы вновь занимают свои позиции.
Ювелирное искусство всегда подчинялось господствовавшему в ту или иную эпоху художественному стилю. С конца XVII века преобладала изысканность форм рококо, на смену которой в начале XIX века пришла строгость стиля ампир.
Середина XIX века является своеобразным рубежом в истории ювелирного искусства. В это время во многих странах Европы разворачивается массовое производство ювелирных изделий, что повлекло за собой появление имитационной техники – использования цветного стекла вместо драгоценных камней, искусственных бриллиантов.
В России в это время появляются крупные ювелирные фирмы – Сазикова (серебряная скульптура), Овчинникова (имитации произведений древнерусских мастеров), Хлебникова (различные виды эмали). Наиболее же крупной стала знаменитая фирма Фаберже, основанная в 1848 г. в Петербурге. Этой фирмой руководил Карл Фаберже. По рисункам и образцам Фаберже работал ряд крупных ювелирных мастерских того времени – Реймер, Гольстер и Коллин, изделия которых отличались четким рисунком с рельефными деталями.
Очень модными были диадемы, эгреты, колье, пряжки, крупные серьги, для изготовления которых применяли бриллианты и цветные полудрагоценные камни. Фаберже использовал нефрит, родонит, яшму, горный хрусталь, розовый и белый кварц, лазурит.
Второй причиной быстрого распространения изделий фирмы следует назвать не только художественный, но и предпринимательский талант ее руководителей.
В 1870 году семейное ювелирное дело наследовал Петр Фаберже (1846–1920). Вскоре он стал очень известным благодаря тому, что изготавливал драгоценности, которые особенно ценились в высшем свете, среди состоятельных аристократов Европы, – удивительные произведения искусства с использованием золота, серебра, нефрита, изумрудов и бриллиантов. Талант Фаберже состоял в том, что драгоценные металлы и камни в его вещах всегда использовались так, что даже обыденные предметы отличались изяществом и не выглядели вульгарными. Даже простые столовые приборы воспринимались как произведения искусства.
На Всемирной выставке в Париже в 1900 году русские художественные изделия из камня имели большой успех. После нее фирма Фаберже открыла в Лондоне отделение, которое обслуживало Англию, Францию и США.
В начале XX в. мастерские Фаберже освоили камнерезное производство – изготовление различных настольных украшений, пасхальных яиц, миниатюрных скульптур людей, животных, а также каменных цветов, которые пользовались большим спросом и ценились очень дорого.
Многие изделия делали по заказам царской семьи. Петр Фаберже продолжил традицию русских мастеров, начавших выпуск пасхальных яиц с XVIII века (в виде самостоятельной отрасли производства), и создал совершенно оригинальные изделия.
- Предыдущая
- 49/147
- Следующая
